Sprawdź jak przebiegał proces produkcji animowanego filmu Encanto z elementami fantasy.
„Nasze magiczne Encanto” (Encanto) to amerykański animowany muzyczny film komediowy z elementami fantasy wyprodukowany przez Walt Disney Animation Studios. Został wydany 24 listopada 2021 w Stanach Zjednoczonych i jest 60. animowaną produkcją w kanonie animacji Disney’a. Został wyreżyserowany przez Byron’a Howard’a i Jared’a Bush’a. Film został napisany przez Busha i Charise Castro Smith.
Rozgrywający się w górach Kolumbii film, koncentruje się na Madrigals, wielopokoleniowej rodzinie, której członkowie otrzymali magiczne dary – z wyjątkiem jednej osoby, Mirabel. Encanto zawiera oryginalne piosenki napisane przez Lin-Manuela i Mirandę, a sama ścieżka dźwiękowa otrzymała szerokie uznanie i znalazła się tym samym na szczycie amerykańskiego Billboard 200 w 2022 roku. Ogromny sukces krytyczny (zdobywając Złoty Glob dla najlepszego filmu animowanego oraz inne wyróżnienia), a film stał się najlepiej zarabiającym filmem animowanym w 2021 roku.
W tym artykule chcemy się skupić na tym, jak tak uznana animacja, która osiągneła tak duże sukcesy, została wyprodukowana.
Każdy z działów pracuje razem, by stworzyć jak najlepszy obraz. Od klatek, przez ujęcia do pełnych sekwencji, film powstaje dzięki głębokiej współpracy wszystkich pracowników studia.
Encanto trwa około 90 minut, składa się z wielu sekwencji, gdzie każda w przybliżeniu trwa od minuty do siedmiu minut. W filmie możemy ich naliczyć około 40, a każda składa się z wielu ujęć, które zazwyczaj trwają między sekundą a trzydziestoma sekundami. Ujęcie możemy rozumieć jako jedno ustawienie kamery.
Jak już jesteśmy przy liczbach, to możemy potwierdzić, że Encanto zostało stworzone z 133709 klatek, co oznacza niesamowity ogrom pracy animatorów i artystów 3D, by doprowadzić film do stanu, w którym został nam przedstawiony.
Proces filmowy w Disney zaczyna się od procesu rozwijania idei, gdzie zaczynają tworzyć narrację, a artyści określają wygląd postaci i świata. Zespół Creative Development wspiera twórców w rozwijaniu ich pomysłów w celu stworzenia przyszłych filmów, seriali czy shortów. Osoby na stanowisku Creative Executive zapewniają kreatywne, wspierające i ustrukturyzowane środowisko, aby pomóc filmowcom rozwinąć ich wizje w innowacyjne, klasyczne i zabawne historie. Osiąga się to na wiele sposobów, w tym poprzez prowadzenie badań, budowanie zespołów i udzielanie informacji zwrotnych. Kiedy cały zespół zbierze wystarczająco dużo informacji, przygotują storyboardy, znajdą odpowiednich aktorów głosowych, a koncepcje wyglądu postaci i świata zostaną przygotowane, to można przejść do etapu produkcji animacji w świecie grafiki 3D.
Gdy prace nad projektem są już na dobrej drodze, artyści przekształcają wizualne opracowania i rysunki koncepcyjne w trójwymiarowe postacie i środowiska, tworząc modele, riggi i tekstury które definiują wygląd tworzonego świata. Podczas takich produkcji najważniejszym jest by kontrolować proces produkcji, tak by nie było żadnych opóźnień w żadnej ze stref produkcji. Często opóźnienie w jednym dziale powoduje opóźnienie w innym. Działa to podobnie do efektu domina, gdzie jedno opóźnienie w jednym zespole może spowodować duży poślizg dla całego zespołu. By zapobiec takim sytuacjom wymyślono narzędzia do organizowania produkcji, takie jak ShotGrid. Organizowanie produkcji w sposób jasny i czytelny dla artystów pomaga utrzymać wszystko pod kontrolą, a jasno określone terminy pokazują ile mamy czasu na wykonanie konkretnego elementu projektu.
Zespół modelarzy przekształca piękne prace koncepcyjne artystów zajmujących się rozwojem wizualnym we wciągające postacie i skomplikowanie światy, które widzimy na ekranie. Wkraczając na początek procesu tworzenia modeli, modelarze ściśle współpracują z różnymi działami, aby upewnić się, że każdy model spełni wymagania fabularne i techniczne produkcji.
Modelowanie wymaga wysokiego stopnia współpracy. Artyści zajmujący się tworzeniem modeli 3D ściśle współpracują z działami rozwoju wizualnego, riggerami, rozwoju wyglądu, symulacji i animacji, aby powołać do życia postaci o najwyższym poziomie atrakcyjności artystycznej i standardów technicznych. Artyści tworzący środowiska współpracują z działami rozwoju wizualnego, rozmieszczenia i rozwoju wyglądu, aby stworzyć filmowe, emocjonalne i wizualnie zachwycające światy dla projektu nad którym pracują.
Riggowanie jest jednym ze sposobów, w jaki Techniczni Artyści wspierają każdą produkcję. Aby stworzyć ekspresyjne, dynamiczne postaci, które widzimy w finalnej wersji filmu, Riggerzy współpracują z Animatorami i Modelarzami, aby zbudować sterowanie w modelach, które mogą być animowane na wiele, określonych przez nich, sposobów. W zasadzie Riggerzy otrzymują model od Modelarzy i przekształcają go w gotowe narzędzie dla Animatorów.
Dział rozwoju wyglądu pomaga budować świat i postacie, tworząc tekstury, kolory i materiały dla wszystkiego, co widać na końcowych renderowanych obrazach. Artyści ci, ściśle współpracują ze sobą, a także z kilkoma innymi zespołami artystycznymi i technicznymi w ramach rozwoju wizualnego.
Po stworzeniu postaci i zrealizowaniu otoczenia, można rozpocząć proces tworzenia scen, które złożą się na nasz film. Produkcja ujęć obejmuje pracę wielu animatorów i techników, którzy ożywiają sekwencje, począwszy od gry aktorskiej postaci, a skończywszy na drobnych szczegółach w ich włosach, ubraniach i świecie.
Jest to kluczowy moment do finalnego określenia procesu opowiadania historii. Pracując na podstawie storyboardów, Layout Artist wykorzystuje postacie, scenografię, rekwizyty i kamery do inscenizacji, blokowania i kręcenia filmu, ujęcie po ujęciu.
Kinematografia, inscenizacja i wstępne animacje postaci to kluczowe elementy zestawu umiejętności montażysty. Dodatkowo, layout obejmuje odrobinę animacji, oświetlenia, edycji, modelowania oraz wiele kompozycji i dobrego wykorzystania kamery w celu uzyskania przejrzystej narracji.
Artyści planu mogą podążać za tym, co jest wskazane w sotryboardach, ale czasami całkowicie od nich odchodzą i stosują swoje własne pomysły, co sprawia, że jest to bardzo kreatywne przedsięwzięcie.
Animatorzy stosując się do, wymyślonych przez Disney, podstawowych zasad animacji, takich jak umieszczenie w czasie, inscenizacja, zgniatanie i rozciąganie, antycypacja, podążanie za ruchem oraz akcje drugoplanowe, sprawiają że postaci stają się pełne życia i fascynujące.
Od subtelnych i szerokich ruchów, po momenty zabawne i przepełnione emocjami, animatorzy wykorzystują swoją głęboką wiedzę na temat anatomii, wagi, ruchu i atrakcyjności, aby stworzyć finalny efekt animacji, które później zostaną przedstawione w filmie.
Artyści techniczni w Disney również zajmują się dostosowaniem kostiumów i dbają o wysoce stylizowane fryzury, korzystając z zestawu zaawansowanych systemów symulacji fizycznych (takie systemy możemy znaleźć w Maya).
Interpretując wskazówki artystyczne od reżysera, artyści rozbudowujący scenografię wzmacniają fabułę poprzez tworzenie złożonych cyfrowych teł, krajobrazów i środowisk przy użyciu szeregu narzędzi cyfrowych obejmujących programy do malowania i renderowania.
Rozbudowa scenografii powinna być w filmie płynna i niezauważalna dla widzów. Artyści scenograficzni stosują różne techniki; widzowie powinni czuć się całkowicie zanurzeni w historii i mieć poczucie, że są częścią wiarygodnego świata.
Animatorzy Efektów na co dzień pracują w takich środowiskach jak Bifrost czy Houdini, tworząc niesamowite symulacje efektów specjalnych. Tworzą magię poprzez ożywianie żywiołów ognia, wody, wiatru i ziemi, które w niektórych przypadkach same mogą stać się ekscytującymi postaciami. Zespół Animacji Efektów szaleje współpracując, eksperymentując i iterując, aż do momentu stworzenia czegoś naprawdę wyjątkowego.
Bazując na informacjach przedstawionych przez Disney możemy zauważyć, że w filmie Moana, została użyta Maya. Po przedstawionym filmie, możemy jasno powiedzieć, że Maya odegrała znaczącą rolę w procesie tworzenia animacji. Po raz kolejny możemy zauważyć obecność oprogramowania Autodesk w tak dużych przedsięwzięciach (poprzednio pisaliśmy o ich zastosowaniu w Jibaro oraz Królu Lwie), w których kluczowym jest niezawodność używanego oprogramowania, co udowadnia, że programy Autodesk są produktem czołowym w swojej dziedzinie.
Artyści tłumu, współpracując z animatorami, wykorzystują kreatywne i techniczne umiejętności do tworzenia świetnie wyglądających tłumów, używając technik symulacyjnych do zaludniania scen dużą ilością postaci, zwierząt i pojazdów, które zapewniają fascynujące widowiska.
Tłumy to najczęściej skupiska ludzi, postaci lub przedmiotów, wspierające główną akcję ujęcia. Bywają to „statyści”, zwykle będący świadkami lub uczestnikami akcji bohatera, albo zajmujący się swoimi sprawami w tle.
Tworząc efekty takie jak powierzchnie odbijające światło, świecące elementy i dramatyczne promienie, artyści oświetlenia są integralną częścią procesu opowiadania historii, wykorzystując swoje bystre oko do manipulowania kolorem i światłem, aby podkreślić zmiany tonu, nastroju i atmosfery, zarówno subtelne, jak i dynamiczne.
Ze zrozumieniem koloru, kontrastu i projektowania oświetlenia, artyści światła komponują ostateczne oświetlenie sceny i składają elementy ujęcia w kompletny kompozyt, aby dopasować się do wizji reżysera i scenografa, dyrektora ds. zdjęć, oświetlenia i nadzorców oświetlenia.
Jeśli zainteresowało Was stanowisko artysty oświetlenia, to warto przyjrzeć się programom takim jak Arnold, V-Ray czy Corona.
Zespół Postprodukcji jest istotnym elementem procesu opowiadania historii, kształtując film przez całą drogę do ostatecznego dostarczenia obrazu i dźwięku. W skład zespołu Postprodukcji wchodzą również Redakcja, Redakcja Muzyczna, Dźwięk, Obrazowanie Cyfrowe oraz Pomiar Koloru. Doskonałym narzędziem postprodukcyjnym jest Autodesk Flame.
I wreszcie, dzięki głębokiej współpracy między Działem Produkcji, Działem Technologii i przy wsparciu wszystkich członków zespołów Studia, fascynujące postacie łączą się z wymyślonymi światami, aby opowiedzieć uniwersalne historie, które stają się częścią filmów w Walt Disney Animation Studios.
Autor: Piotr Bolek | PCC Polska
